En una breve charla que dio durante una de las ediciones de Paris Photo, el artista estadounidense Alec Soth mencionó la importancia de contar historias por medio de las fotografías. Volver al estilo de la revista Life, “salir a la carretera con una cámara y un redactor a cuestas, es una operación cada vez más relevante en estos días”, dijo. Robert Frank era un buscador de historias. Lo que era normal en un fotógrafo, empieza a ser una ‘rara avis’. 

El objetivo de encontrar una nueva colaboración entre imagen y texto, entre fotógrafo y escritor, recuerda al dicho de Susan Sontag de que “la persona que está grabando no puede intervenir y la que interviene no puede grabar”. Sin embargo, una imagen apoyada en un texto cierra la brecha que necesariamente existe entre quien hace la toma y la persona que sale en ella. Y es la manera de huir de lo acomodaticio, de limitarse a tocar la superficie del mundo con una imagen agradable, como hace el 99% de quienes usan su móvil y cada vez más fotógrafos profesionales, en vez de mostrar lo que hay al fondo. 

En una época en la que usar una cámara en calidad de autor se ve seriamente desafiado por un diluvio de imágenes de teléfonos inteligentes que inundan nuestras vidas ‘online’ a través de Instagram, Facebook y Twitter, los fotógrafos tienen una nueva necesidad de descubrir estrategias que mantengan su oficio relevante en un nuevo giro visual, en un entorno en el que colectivamente "enfrentamos el cinismo de todos los ciudadanos", como lo describió el arquitecto Rem Koolhaas. ¿Cómo lo manejan? ¿Cómo justifican su "arte" cuando un mil millones de hipsters demasiado confiados tienen los mismos medios técnicos a mano? La clave es volver al clásico relato  que "conecta los puntos" con imágenes, como dijo Soth, y ofrecer el significado con un enfoque periodístico. Algo que, desgraciadamente, ya muchos achacan a los “jóvenes nostálgicos”.

Kayin Ho

Al navegar por los stands en Paris Photo, pude observar otra táctica de la vieja escuela para asegurar la calidad del trabajo: centrarse en el aspecto físico de la foto para crear un objeto duradero, oponiéndose a la naturaleza fugaz de la imagen digital en la World Wide Web. Las impresiones costosas en ediciones limitadas son más interesantes para los coleccionistas, por supuesto, pero a veces hay más que solo consideraciones de marketing, como en el trabajo de Clare Strand, que combina la fotografía con la escultura en formas tridimensionales dobladas a propósito y hechas de fotografías de papel monocromáticas. Esos bloques de color brillante se ensamblan  a mano, sus bordes ásperos y desordenados están muy lejos de la precisión industrial.

A ciertos artistas que han adoptado una postura más radical no les preocupa perder su voz al renunciar a la autoría. Las nuevas escuelas de fotógrafos se están distanciando del modus operandi tradicional basado en lentes y objetivos y deambulan por internet en busca de materiales originales que se apropian para su propio trabajo. Thomas Ruff, quien comenzó a filmar interiores espeluznantes en una película en la década de los 80, ahora casi nunca toca una cámara. Colabora con observatorios y agencias espaciales para obtener las imágenes que alimentan su trabajo, y depende en gran medida de las imágenes cargadas en internet. "El problema, sin embargo, de renunciar a la autoría", dijo Ruff en una ponencia de Paris Photo, "es que primero hay que convertirse en autor". La democratización de la licencia artística, que a veces se asocia con el surgimiento de las redes sociales, se encuentra con el muro del el artista-autor, que insiste en la supremacía de su propiedad intelectual.

El fenómenos digital trastoca nuestra comprensión de la autoría, eso está claro: el escritor Will Self, en un ensayo publicado por thespace.org, opina: “Todavía vemos la autoría como algo monomaníaco y no veo que los inmigrantes digitales tengan problemas con eso”. Curiosamente, cada vez que la clase artística se siente amenazada por competidores externos, se produce una reflexión profunda de su práctica y de ella surge un trabajo realmente interesante. Cuando Thomas Ruff obtiene imágenes de la NASA de Marte en blanco y negro, luego las colorea y ajusta el archivo a sus propios estándares estéticos, agrega otra capa de significado al documento científico, un elemento de ficción y espacio para la intervención creativa sin destruir el marco en el que se basa. 

Es, en cierto modo, como Hilary Mantel escribiendo ficción histórica, agregando cuidadosamente detalles que no están registrados por la historia, proporcionando una historia más rica que la que podría hacer un simple documental y, por lo tanto, crea una obra de arte, que depende mucho de su material fuente y su respeto por él. El surgimiento del “formato cuadro” en la fotografía, esencialmente materializado en impresiones más grandes que coinciden con las dimensiones establecidas por la tradición de la pintura, también pudo hacer pensar que el arte pictórico se veía amenazado. Pero lo que hizo fue cambiar drásticamente la relación de la obra de arte fotográfica con el espectador o el comprador. La apropiación de los formatos antiguos y magistrales en fotografía permitió que Ruff dominara una pared igual que lo haría un Rembrandt o un Van Dyck, liberando para siempre la impresión fotográfica de su hábitat tradicional: la caja de archivo, y dejándola vagar invasivamente en el espacio de la galería, luchando por la atención. Uno de los pocos artistas-fotógrafos que siguen comprometidos con la representación de la vida contemporánea en imágenes realistas, Paul Graham, produjo hace no mucho una serie notable, The Present.

Graham eligió el formato cuadro para sus escenas callejeras de Nueva York, que planteó en dípticos o trípticos de tomas con solo unos segundos de diferencia. Al representar la urbanidad contemporánea, la vida en la calle en un formato que tiene sus raíces en la pintura religiosa, elevó lo cotidiano, cambió su contexto y niveló lo "real" a la par con lo "sagrado". Esta operación podría ser crucial en un mundo donde podríamos estar acercándonos al borde de perder lo "real" en favor de lo "virtual". Una dosis saludable de mordeduras de realidad debería seguir presente en la vertiente artística de la fotografía. Porque es una disciplina que ha luchado por su tener su lugar durante mucho tiempo, a través de pioneros como Diane Arbus, Robert Frank o Nan Goldin. Y algunas personas todavía saben cómo convertir una foto en una pieza convincente, como lo hace Michael Schmidt en su libro Lebensmittel, donde rastrea las historias de alimentos procesados, que conquistó nada menos que a Simon Baker, el comisario de fotografía de Tate Modern. En ese libro, las fotografías, como conjunto, hacen una cosa my sencilla, que les da todo el sentido: contar una historia. 

Jennifer Trovato